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Im Interview: Andreas Gefeller
Hallo Andreas. Schön, dass wir es endlich geschafft haben das Interview zu führen! Wie kommt’s, hast du soviel zu tun?
Also, ehrlich gesagt hatte das jetzt mehr private Gründe. Ich habe geheiratet und da musste man natürlich eine schöne Party geben, und schließlich gab es auch noch Weihnachten und Neujahr. Da ist man sowieso immer anderweitig beschäftigt. Auf jeden Fall war ich privat derart eingebunden, dass ich zu meinen eigenen Arbeiten gar nicht erst kam. Im November war ich in Japan, weil da die Ausstellungseröffnung von dem Projekt ‘European Eyes on Japan’ war, in dessem Zusammenhang auch mein letztes Buch entstanden ist. Nach über einem Jahr hat die Ausstellung dazu endlich stattgefunden, wozu wir Fotografen eingeladen waren. Das war natürlich bezahlt und alles ganz toll, also bin ich direkt eine Woche länger da geblieben und habe vor Ort fotografiert. Das ist jetzt schon über einen Monat her und ich habe noch kein einziges Mal auf die Bilder geguckt. Da freue ich mich jetzt drauf.
Was sind das für Motive, die du im Auge hattest. An welcher Serie orientierst du dich da? Eher ‘The Japan Series’ oder ‘Supervisions’?
Auch wenn die Ergebnisse anders aussehen als ‘Supervisions’ oder ‘The Japan Series’, hat es inhaltlich was damit zu tun. Es gibt eine Schnittmenge, es geht wieder um Wahrnehmung, um Materialität und um die Grenzen der Fotografie im weitesten Sinne. Es ist ein Spiel mit der Fotografie als Medium, aber es ist auch eine Metapher über die Informationsflut, in welcher wir zu ertrinken drohen. Ein Gedanke von ‘The Japan Series’ war die langsam überhand nehmende Techik, Vernetzung und Informationsflut. Irgendwie ist ja alles miteinander verlinkt. Sind wir eigentlich noch in der Lage zu verstehen, was in der Technik vor sich geht? Wo kommt das Kabel her, wo führt das Kabel hin? Gerade die Bilder, die Auswucherungen zeigen, deuten an, dass es uns über den Kopf wächst. Dass wir in der ganzen Auswahl an Informationen, die uns zur Verfügung steht, nicht mehr richtig selektieren können. Das führt auch zu einer Kritik, wie wir mit der Natur umgehen.
Aus diesem Grund befinden sich in der Serie auch die zwei, drei Bilder mit den Pflanzen?
Ja. Der Mensch hat das Verlangen, alles in geraden Linien anzuordnen. Die Pflanzen müssen nach seinen Wünschen wachsen und sehen dann selbst aus wie Drähte oder wie etwas Technisches, während er seine Technik fast nicht unter Kontrolle hat. Die Drähte wiederum erinnern in dem Zusammenhang an Pflanzen und wuchern chaotisch. Es kippt wieder um.
Wie wurden die Bilder denn präsentiert?
Auf einem etwas offenporigen Baumwollpapier. Vielleich meint man, dass das keine Rolle spielen sollte, denn es geht ja nur darum, Helligkeitswerte auf Papier zu übertragen, aber mir ist die Haptik schon wichtig. Ich finde es interessant, dass gerade die weißen Bilder stark an japanische Kalligrafien erinnern, wo die Materialität des Papiers eine große Rolle spielt. Es ist toll, dass praktisch 90% des Papiers aus Nichts besteht, denn nur wo die Stromleitungen entlanglaufen, ist Farbe drauf. Es ist der gleiche Vorgang, wie wenn man einen Bleistift nimmt und auf einem weißen Papier eine Zeichnung erstellt.
Wolltest du eigentlich von Anfang an Künstler werden?
Naja, Künstler wollen viele werden. Rückblickend finde ich es toll, dass es geklappt hat. Aber das war eigentlich niemals meine Intention. Ich habe mich immer als Architektur- oder Werbefotograf gesehen, denn schliesslich muss man auch gucken, wie man das Geld reinbekommt. Eigentlich bin ich davon ausgegangen, dass ich das sowieso nicht schaffe. Auf jeden Fall stehst du dann irgendwann vor deinem Diplom und überlegst dir ein Thema. Du hast zwei Möglichkeiten: Entweder du machst eine ‘angewandte’ Arbeit, die du später als Vorzeigeserie benutzen kannst, um irgendwo in die Agenturen reinzukommen, oder du machst das Gegenteil. Du denkst dir: “Die Studienzeit war eine schöne Zeit. Ich konnte machen, was ich wollte. Das Diplom ist meine letzte Chance im Leben eine freie Arbeit zu machen.” Du machst also eine Arbeit, die du nicht zwangsläufig verkaufen möchtest, sondern mit der du dich ein halbes Jahr intensiv beschäftigst, und dann hast du dich ausgetobt, denn schließlich kommst du ja später sowieso nie mehr dazu.
Welche Arbeit war das?
Das war ‘Soma’. Und dann haben sich merkwürdigerweise die Weichen von alleine umgestellt. Ich habe ja anfangs, trotz allem, weiterhin als Werbe- und Architekturfotograf gearbeitet.
Du bist zweigleisig gefahren?
Ja, könnte man so sagen. Während des Studiums habe ich freie Arbeiten gemacht, und um Geld zu verdienen, habe ich im Auftrag fotografiert. Schließlich habe ich das Diplom gemacht und den ‘Reinhart-Wolf-Preis’ gewonnen und dann machte ich so eine kleine Popelaustellung in einer Altbauwohnung in Düsseldorf, wo sich zur Eröffnung zufälligerweise ein Galerist hin verlaufen hat. Der wollte eigentlich ganz woanders hin und hat den Eingang nicht gefunden und ist dann in meiner Ausstellung gelandet und war total fasziniert von diesen Bildern. Er hat mich dann in seinem Programm aufgenommen und nach einem halben Jahr haben wir eine erste Einzelaustellung gemacht. Parallel dazu hatte ich durch den ‘Reinhart-Wolf-Preis’ einen Fuß in der Tür von Verlagen, und da ein Bestandteil meiner Diplomarbeit ‘Soma’ eine Buchpräsentation war, bin ich dann bei Hatje-Cantz gelandet, die das tatsächlich publiziert haben. Irgendwann bekam ich Streit mit dem Galeristen und ich trennte mich von ihm. Ich bekam aber einen zweiten, der in einer höheren Liga spielte – die Thomas Rehbein Galerie in Köln –, und hatte plötzlich außerdem eine Galerie in New York. Ja, das lief dann irgendwann von alleine. Gut, am Anfang habe ich noch ans Geld verdienen denken müssen, wobei ich aber schnell gemerkt habe, dass durch die Galerieverkäufe und die Präsentationen auf den Messen auch Geld reinkam. Das hat mehr Spaß gemacht und da ich glücklicherweise auch nicht auf dieser ‘Soma’-Welle geritten bin, sondern mir was Neues überlegt habe, kam es halt dazu, dass die kommerziellen Geschichten mich nur aufhielten. Irgendwann ist dann der Faden zu den Agenturen und Architekten komplett gerissen. Ich wüsste jetzt auch nicht mehr, wie ich da wieder reinkäme, wenn das mit der Kunst nicht mehr liefe.
Hättest du denn noch ein angemessenes Portfolio?
Nein, um Gottes Willen. Wenn ich mir meine alte Mappe angucke, finde ich die zwar immer noch ganz hübsch, aber das ist noch alles mit Fuji Reala fotografiert und es ist eine ganz andere Arbeitsweise als heute üblich ist.
Die Mappe hat also nur noch Nostalgiewert?
Ja, irgendwie schon. Die Bildsprache ist ja ganz anders geworden und die Post-Produktion spielt eine viel größere Rolle. Ich will jetzt nicht sagen, dass ich das nicht mehr könnte, wenn ich mich reinarbeiten müsste, aber der Zug ist definitiv abgefahren. Wenn ich rennen würde, würde ich ihn vielleicht noch einholen, aber ich bin jetzt gerade mit was anderem beschäftigt und wie es so aussieht: Toi, toi, toi!
Wo hast du dich überall beworben, als du studieren wolltest?
Ich habe zwei Anläufe gebraucht. Beim ersten Mal hat es nirgendwo geklappt und beim zweiten Mal überall. Also Essen, Dortmund und Bielefeld. Warum ich mich für Essen entschieden habe? Weil die einfach den besten Ruf hatten. Bielefeld war mir viel zu verschnarcht. Dortmund wäre vielleicht auch noch gegangen, aber Dortmund ist dann auch wieder weiter weg als Essen und ich hätte umziehen müssen. Mit der Neuke hatte die Uni eine super Dokumentarprofessorin. Dann gab es noch den Vom Endt, bei dem ich studiert habe – mehr Werbung und Architektur kann man sich nicht vorstellen. So ein gutes Labor wie Essen damals hatte, hat soweit ich weiß auch heute keine Hochschule. Ich habe mich da einfach wohl gefühlt und es war sehr angenehm: Man konnte jahrelang studieren und hat parallel dazu seine Jobs gemacht. Und wenn man mal ein halbes Jahr mit etwas anderem beschäftigt war, dann war das auch ok. Das war schon ziemlicher Luxus. Irgendwann ist der Vom Endt in Rente gegangen und ich bin zu Bernhard Prinz gewechselt. Da war ich dann plötzlich in einer reinen Kunstklasse, in der ich mich zeitweilig ziemlich unwohl gefühlt habe. Viele der Leute kamen sich einfach zu toll vor. Einerseits wollte man irgendwie dazugehören, andererseits aber auch nicht, weil man dann doch nicht genauso sein wollte wie sie; irgendwie so unnatürlich. Trotz allem ist Bernhard Prinz ein guter Typ und es hat schon was gebracht bei ihm weiter zu studieren. Schlussendlich hat er mein Studium dann noch in eine gewisse Richung gelenkt.
Bestenfalls kommt ja der Augenblick, wo man dann tatsächlich eine Bildsprache für sich findet, mit der man am besten kann. Wann kam bei dir der Bruch, wo du vom Rumtesten und Reinschnuppern in die verschiedenen Bereiche zu deinem Thema gekommen bist?
Wenn man sich so meine ersten Arbeiten anguckt, war ja wirklich alles dabei: Ich habe Fashion genauso fotografiert, wie ich mit der Camera Obscura experimentiert habe. Kritische Bilder zum D-Day in der Normandie und dann wieder Architektur. Ich bin auch mit der Kleinbild, mit aufgesetztem Blitz, rumgelaufen und habe so ein bisschen Neuke-Fotografie betrieben. Ich wusste ehrlich gesagt nicht, wo ich mich sah, aber empfand das als gute Basis. Aber zurück zur Frage. Das war so 1996, wo ich nach Tschernobyl gefahren bin. Ich hatte mir ein Jahr zuvor eine Großbildkamera gekauft. Dieses langsame Arbeiten, dieses bewusstere Arbeiten, war schon wichtig. Letztendlich kann man schon bei der ‘Tschernobyl’-Serie erkennen, was nachher auch zum Thema wurde: “Was kann man sehen und was kann man nicht sehen? Was nimmt man wahr und was nimmt man nicht wahr?” Es ging nie darum eine reine Dokumentarfotografie zu machen, denn dann hätte ich auch in die Krebskliniken fahren müssen, um das ganze dramatischer zu gestalten. Mich interessierte eher diese Grundstimmung. Unsichtbare Radioaktivität und ein mitschwingendes Gefühl von Bedrohung. Gerade bei den Bildern aus Tschernobyl ist es ja wichtig zu wissen, wo sie entstanden sind. Manchmal ist es allein das Wissen, dass es verseuchtes oder verstrahltes Gelände ist, um die Bilder anders zu lesen.
Arbeitest du viel mit Text? Oder willst du, dass die Bilder für sich sprechen?
Grundsätzlich schreibe ich mir ein Konzept. Das ist dann aber ausschließlich für mich gedacht, weil man vieles viel klarer und strukturierter sieht. Die Bilder in meinen Büchern werden immer von Texten ergänzt, die jemand anders geschrieben hat. Interessant finde ich das gerade beim letzten Buch ‘The Japan Series’. Da hat Celina Lunsford einen total schrägen fiktiven Text geschrieben, der an Comic und Science Fiction genauso erinnert wie an Pseudowissenschaften mit Außerirdischen. Ich finde das super, weil es in etwa dem entspricht, wie ich die Dinge wahrnehme, denn auch ich versuche manchmal unsere Welt mit den Augen eines Außerirdischen zu betrachten. Ich bringe mich selber in Distanz, weil mir durch den größeren Abstand manches noch abstrakter und abstruser vorkommt, als es sowieso schon ist. Das ist jetzt natürlich nicht Arbeiten mit Text, sondern der Zusatz eines fremdem Autors, der wiederum auch nur im Buch funktioniert, aber mir gefällt, dass er die Bilder um eine weitere Dimension erweitert.
Wo wir gerade beim Thema Bücher und Ausstellungen sind. Was magst du mehr? Es gibt ja Menschen, die auf Bücher hinaus arbeiten, und Menschen, die Ausstellungen bevorzugen. Manches funktioniert an der Wand besser und manch anderes in einer Buchpräsentation.
Ich arbeite definitiv für Ausstellungen, ganz klar. Ich sehe meine Bilder gerne an der Wand. Da haben die auch die Größe, die sie brauchen. Da kann ich auch die Materialität darstellen. Ich kann es durchaus verstehen, wenn einer für Bücher arbeitet, aber ich tue es nicht. Trotz allem ist es ein wichtiges Medium mit vielen Vorteilen. Man sieht immer nur eine Doppelseite. Das Buch hat ein Vorne und ein Hinten. Es ist einfach deutlich narrativer. In einer Ausstellung laufen die Leute ja, wie sie wollen. Das kann man kaum beeinflussen. Eine Ausstellung kannst du dir von allen Seiten angucken. Wenn du willst, kannst du dir fünf Bilder gleichzeitig angucken oder nur eins. Du kannst nah ran gehen oder guckst dir das Bild von weiter weg an. Der Raum spielt eine große Rolle. Das hat man in einem Buch nicht.
Warum hast dich für die Fotografie entschieden? Wie kam es dazu?
Fotografiert habe ich schon immer gerne. Als Kind habe ich auch viel gezeichnet. Ich bin ein visueller Mensch, und wenn es die Fotografie nicht gegeben hätte, wär ich vielleicht Grafiker oder Maler geworden.Ich habe des öfteren erzählt, dass ich mich als Junge für Astronomie interessiert habe. Und was macht man als Astronom, um Sterne zu beobachten? Man fotografiert sie, weil man durch das Sammeln von Licht dunkle Sterne sichtbar machen kann genauso wie Nebel und weiß ich was alles. Und das hab ich dann auch gemacht, mit der alten Kamera meines Großvaters. Interessant ist, dass die Bilder schon in diesem ganz frühen Stadium, als ich ca. 15 Jahre alt war und Sterne fotografiert habe, etwas mit den späteren Themen zu tun haben. Nämlich der Perspektivwechsel und die Suche nach einer anderen Wahrheit. Vor allem die Mittel der Fotografie zu benutzen, um Unsichtbares sichtbar zu machen – obwohl mir das damals natürlich noch nicht bewusst war. Indem man das Weltall betrachtet, betrachtet man ja eigentlich auch die Erde vom Weltall aus. Man wird sich bewusst, wer wir hier sind und dass wir auch nur eine Tierart von vielen sind.
Kommen wir mal zu den Krisen, die es bestimmt auch gab. Wo hast du dir gedacht, dass da überhaupt gar nichts läuft?
Solche Momente gab es zwischendurch immer mal wieder. Doch mein Drang zu fotografieren war so groß, dass mich das nicht so sehr beeinflusst hat und ich das Handtuch geschmissen hätte. Ich kann mich noch genau daran erinnern, als ich einmal was mit Blitzen ausprobiert habe und da hat Inge Osswald, meine Grundstudiumprofessorin, rumgemeckert: “Diese Bilder sehen aus, wie mit Vanillesauce übergossen!” Natürlich hatte sie recht. Ich wusste genau, was sie meinte, aber mir ging es um was ganz anderes in den Bildern, nur dass es leider überhaupt nicht rüberkam. Dieses ‘Bewusst werden’ tat gut. Es gibt einen Unterschied zwischen dem, was man selber in seinen Bildern sieht oder denkt zu sehen, und dem, was ein anderer fühlt, wenn er sie sieht.
Wurden die Fehler mit der Zeit weniger?
Ja, wie schlecht muss ein Foto denn bitte sein, damit es als Fehler bezeichnet werden kann? Auch die schlechteren Bilder führen dich zu einem Prozess. Aber davon mal abgesehen, ist es ein stetiges Auf und Ab. Das gehört dann auch dazu. Ein Beispiel: Meine Tschernobyl-Arbeit gefällt mir auch heute noch. Ich glaubte damals: “Jetzt habe ich den Trick raus. Ich fotografiere alles nur noch mit der Großbild!” Doch so einfach ist es dann leider doch eben nicht. Da merkt man dann ganz schnell, dass man nicht einfach eine Masche runterreiten kann. Zu der Zeit habe ich ein paar Arbeiten gemacht, die schwächer waren. Manchmal glaube ich kaum, dass ich die gemacht habe, weil sie so anders sind. Im Rückblick betrachtet habe ich die Erkenntnis gewonnen, dass du unbedingt die Idee brauchst oder die Aussage. Ansonsten nützt dir die Bildsprache nix. Die ist dann nur Sprache ohne Inhalt.
Arbeitest du grundlegend mit Konzept oder gibt es immer noch diese Momente, wo du per Zufall ein Bild machst, aus welchem sich dann viel mehr entwickelt?
Ich denke, es gibt drei Möglichkeiten an Inspirationen oder Ideen zu kommen. Erstens, man experimentiert herum und hat den Zufall im Spiel. Desweiteren kann man sich von anderen inspirieren lassen, wobei man aufpassen muss, dass man sie nicht kopiert. Und drittens: ganz nüchtern ein Konzept schreiben und überlegen, was gerade relevant ist. Das sind die drei Trichter, die man sich in den Kopf rammt und in die man alle Informationen reinschüttet, damit dann am Ende eine runde Geschichte raus kommt.
In deiner Entwicklung erkennt man ja die Tendenz vom Dokumentarischen über das Metaphorische bis hin zum abstrakt durchstrukturiertem Bild. Wo glaubst du dich in dieser Bewegung, in der Zukunft wiederzufinden? Hast du einen Plan? Möchtest du mit dieser Entwicklung komplett brechen und an einem gänzlich anderen Punkt wieder neu anfangen?
Tja, das ist ja immer das Problem. Woher weiß man, was in der Zukunft sein wird? Kann man die Vergangenheit einfach in die Zukunft projizieren, indem man annimmt, dass alles, was heute wächst, auch in der Zukunft wachsen wird, oder geht man wieder einen Schritt zurück? Das weiß ich alles nicht. Ich kann nur sagen, dass ich in den letzten zehn Jahren immer intensiv an einer Idee gearbeitet habe und mir parallel dazu wieder was Neues einfiel. Sobald ich die Serie als abgeschlossen betrachtete, ging ich wieder einen Schritt zurück und guckte mir an, was ich parallel dazu gemacht hatte, und arbeitete dann daran weiter. Manche haben eine tolle Idee und reiten jahrelang darauf rum, und vielleicht ist diese irgendwann so erfolgreich, dass sie gar keinen Erfolg mehr haben müssen, weil sie ihre Schäfchen im Trockenen haben. Nicht voranzuschreiten, weil man es entweder nicht will oder nicht kann, da man den Absprung nicht mehr geschafft hat – das finde ich langweilig. ‘Supervisions’ habe ich auch acht Jahre lang gemacht und jetzt sind die Leute über ‘The Japan Series’ ein bisschen überrascht. Glücklicherweise kommt die Serie gut an, aber trotz allem ist es enorm aufregend, wenn man was Neues rausbringt. Natürlich gibt es Parallelen zwischen den Arbeiten und genügend große Schnittmengen, so dass man die Japanbilder als Erweiterung von ‘Supervisions’ betrachten kann. Aber wenn du acht Jahre lang dieselbe Idee verfolgst, wird es höchste Zeit für Veränderung. Du erniedrigst doch deine vorangegangenen Arbeiten, wenn du sie immer weiter duplizierst. Beispielsweise Thomas Demand, nichts gegen ihn, seine Arbeiten finde ich super, aber ich bin sie auch allmählich satt. Der kann sich doch nicht ewig irgendwelche Events aus den Nachrichten ziehen, um sie dann in Pappe nachzubauen. So reitet man seine Serie so dermaßen tot, dass man leider auch die Bilder, die man zu Anfang gut fand, in einem schlechten Licht sieht. Eher wertet man ältere Arbeiten auf, wenn man neue Sachen macht, bei denen man merkt, dass die alten notwendig waren, um dahin zu kommen. Sie werden zu tragende Säulen, denn es waren keine Zufallsgeschichten. Die haben die Zukunft mitbereitet.
Dekamired
Fotografie an der Folkwang Universität der Künste
Print Magazine
March 2012
